“绝对原创” 7个方法养成个人摄影风格

魅夏 · 发表于 2012-12-31 12:35:16

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1. 影响

风格的养成的出发点应当是去了解艺术的本质。我们经常听到这样的格言——“阳光下，没有什么是新的。” 在理论上讲，这是事实。基本上所有的创新都有部分是在老调重弹。尽管我们可能不是绝对的原创，但我们也不该吊死在“绝对原创”这棵树上。任何一个单一的创意都可能被别人实践过，但是一件作品永远不可能至来源于一个想法。至少，我们认真在思考我们所做的事，而非公然地复制他人的作品。每个个体一生都在受各种多元化的影响，将这些影响杂糅在一起形成自己的东西才是正解。原创的观点来源于我们的生活经验和内心深处，这一切的总和形成了就像电话号码一般独一无二的我们。

我经常受很多东西的启发，除了摄影以外还有儿童文学、电影、梦想和精神学等。

第一步，你需要开诚布公地告诉人们（至少对自己）是什么激发了你的灵感。练习一下列出10件事情——不管是其他摄影师、艺术家、电影、音乐、文学或者其他东西也好。针对每一项，说出什么是你喜欢的。同时也注意指出你不喜欢的地方。没有人会完全喜欢一个人的作品。你有你的最爱，个中肯定有你的理由。（做这样一个任务：回顾那些你在图片分享网站上标记为最爱的摄影作品）灵感和你之间的关系是独特的——因为你有所选择，突出其中的某一项而减淡了其他方面。就像购物一样，有那么多的选择，最终你拿着你选好的灵感装进购物包回家了。一旦你意识到激发你灵感的东西是什么，你就搞清楚了这桌美食的调味秘方，接着你就可以用它来烹饪出属于你自己独特菜肴了。

2. 比较

我第一次真正开始察觉到自己的“风格”是当我看到我的作品和其他作品一起发表在一本摄影合集中的时候。书中其他人的作品都是清一色的女性自拍作品。接着我看到了我的作品，使用了大胆的直线和曲线以及鲜明的主色调。不需要任何语言，看过了其他人的作品你就很自然很容易地能够辨别出我的作品来。

我强烈建议你参加一些能够将你的作品和别人的放在一起比较的活动。另一个很有趣的活动是和其他的艺术家一起合作和工作。当你和另一个摄影师一起亲密合作开始拍摄项目时，肯定会一种奇特的不寻常的感受。你们拍摄时的细微差别都在定义着你的特质、你做事的方式，最后看到作品时，你能够自信地说：“没错，这就是我。”

3. 询问观者

不论你是什么类型的摄影师，你都需要了解你的观众，即使你是一位主要拍摄个人作品的纯艺术摄影师。不仅仅是商业摄影师需要考虑作品的销售力。艺术摄影师也需要取悦于画廊、经销商和收藏家。

细心察觉观众对你作品的反应，不论你的作品是在艺术馆展出或在网上供网友浏览还是展示给你的朋友，你都应当认真观察。但是，不要会错我的意思，理智对待这些评价，但不要太往心里去，我也曾经因为网上和当面的一些负面评价而灰心丧气过。这里我主要想传达的是，群体意识其实很简单，但他们觉得你拥有自己的风格时，他们就会开始鼓掌，这些喝彩将帮助你形成自己的风格。说实话把自己的作品上传到网络上，公开的接受所有人的评价并不是一件容易的事情，你需要知道有人会喜欢人当然也有有人会攻击你。在我一开始拍摄的日子里，很多人都在我的网络相册里留言，认为我只是在单纯地模仿其他摄影师的作品，说实话这很伤人。但请注意，当你接受到负面的评价时，请不要让它影响你的心情或是创作勇气。坦然去面对它们，然后思考你是否存在这样的问题，如果有那么请去解决它们。

拥有自己的摄影风格对于推销自己是一件非常重要的事情。如果你在看这篇文章说明你对寻找自己的风格定位很感兴趣，或许你也希望自己可以以摄影为生。这就意味着你需要让观者们在一眼看到你的作品时就能认出来是你拍摄的。就像虽然我讨厌俗气的新闻角度、套话以及重复那些我已经做了无数次的事情一样，但是我依旧得承认这些事情的重复累积成为了一个平台，而正是因为这个平台，我才可以继续做其他不一样的事情。

4. 你才是最重要的

只关心你的观众并不能让你成为一名优秀的摄影师，至少不是一名忠于艺术的摄影师。可能你能够在短时间内获利，但你可能不能忠实于自我，并且不会很开心。毕竟，我们中的大多数人选择摄影是源于那份热爱。我们应当坚持自己的想法和激情，不论这些想法流行与否，否则这一切又有什么意义呢？不论是专业摄影师抑或摄影爱好者都应当忠实于自我的感受。

虽然听从别人的意见有时能给你一些启发，但你应该记住，你是你自己的老板你说了算。无论环绕在你周围的是多么亲密的人，他们的话永远只能是建议或意见。你应该相信你自己的本能，即使在犹豫的时候，我从别人那儿学到过一件事——艺术家从不犯错。错误这个词对艺术家而言并不存在。你做的一切都是某种表达，没有对错之别。

回到最主要的问题：你想要什么？我学到的另一个教训告诉我——拍摄你真正感兴趣和热爱的东西。其他人没法回答你是否应该拍摄ABC或XYZ的问题，只有你自己才能决定。

5. 自我评估

审视你的所有作品，将它们像缩略图一样排列在屏幕上。我开始使用Flickr的一大原因就在于我喜欢看着我的系列作品们变成一个个方格摆在页面上，像一幅拼接挂毯。当我闲下来的时候，当我觉得失去个人风格的时候，我都会重新审视我过去的作品页面，这样我可以很直观地观察到我在使用色彩、光线、构图方面的特点和发展趋势。

认真观察你过去的作品，仔细思考你想要表达的东西。我曾经写过一篇博客文章，鼓励其他艺术家珍惜她们早期的照片，不要为老作品而尴尬。可能那些过去的作品在技巧上有所缺乏，但却饱含着最初的热忱。审视（欣赏）你以前的作品，你可能会重新发现一些线索，什么激发了你的生活热情，什么是你愿意用相机去记录的。或者，你会有这样的感想，我早该升级我的装备了或是我应该尽早好好学习后期处理。谁知道呢？

6. 谨慎对待专业建议

我并不是突发奇想要在这里和大家讨论“风格”这件事儿的。

我第一次思考这个问题是在一个画廊里，当时正在举行一场随性的观片会，一位摄影前辈指出我的作品中混杂了好几个摄影师的风格。他建议我应该专注于一种风格，比如说我很善于利用色彩，那么就应该偏重彩色摄影，而将黑白摄影的重任丢给那些“老家伙们”。我知道我向他展示了太多多样化的作品，所以当时我认为我不知道挑选什么样的作品汇集成作品集是我的主要问题。然而，当我重新审视我的所有作品时，我突然发现他关于我混杂多种风格的说法是千真万确的。我终于明白了为什么画廊经理们都希望从一个艺术家的作品中看到可识别的元素，因为只有这样这些作品才会更加具有销路和收藏价值。

起初，我很沮丧，我觉得我的艺术生涯算是毁了。因为我的多样性太过明显——即使是在同一个系列里，你也能明显看出这些作品的不同风格。但现在，我开始质疑这整个建议，并开始思考我是否有必要为了别人的一番话而颠覆自己的根深蒂固的作品特色。毕竟，每个人都会有自己的观点，就我喜欢用自己当模特进行创作这一点就有不少人有不同观点。有一位评论家喜欢我拍摄时采用的角度，而另一位则认为我过于喜欢拍摄正面照，应当多多尝试其他角度。还有时一位评论家告诉你应当坚持一种风格，而另一位则告诉你你应该多多尝试其他风格。不同意见经常相互矛盾，最终只有你能解答自己的问题。经常做一些实验性创作和尝试新鲜事物是好的，但同时也注意多去拍摄一些可以积累为个人风格的摄影作品。

7. 继续拍摄

继续拍摄，让自己和作品都变得成熟。给自己时间来提升作品的水平，不要将“风格”固定化。拍摄你想拍的摄影作品，每隔一段时间查看一下它受到了什么样的评价，这样你就可以了解自己的销路并从中获利。利益这些词语可能对艺术家来说是很酸臭的字眼，但你要明白早在你选择视觉艺术这个领域时，你就应该了解利益也是艺术产业链上的重要一环。如果摄影师都将从相机里卸下的记忆卡直接交给客户或者画廊，摄影会是什么样子？如果没有选片、编辑、命名、刊登，摄影肯定不是现在这个样子。选择如何描述你的作品进入市场——也就是分享给大家，是摄影产业链中至关重要的一项。为自己的作品撰写个人陈述，挑选系列作品出版或者展览，为你的目标设立一个里程碑，因为当你的照片进入一本书或者一场展览时，你的作品也就成为了艺术的另一种形式。

当我越来越多思考关于风格的问题时，风格对我的意义就越来越少。有没有人真正了解自己的风格呢？我不知道。回到文章的第一条：如果没有人是真正的原创，那么我们就不能用某个人来定义某种“风格”，也就是说：他们的名字不能成为一个形容词; 我们只能说他们具有什么风格。

随着时间的推移，你可能会和某种技术或美学有所关联，但我认为这是一种误导去声称自己拥有它们。我曾经应客户要求拍摄过使用多重曝光伎俩的商业作品，但这种技术并不是我的特色，只是在当时那种特定的时间和空间上，客户和我沟通之后达成的风格的一部分。

在任何摄影领域中取得成功的关键是深刻的了解。摄影师因为他们的声誉、技能从而获得拍摄工作，因为客户知道他们、相信他们、信任他们、喜欢他们所拍摄的作品。如果你仔细现象，“风格”的概念并没有太多的实质内容。我们唯一的风格蓝图存在于我们的方法、所受的影响以及我们持久不间断地去融合我们周围的事物。不管风格的定义是什么，都请记住，没有什么比保持主动和兴奋的创作状态，以及好好经营自己的声誉更重要的事情了。

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